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誠品畫廊將於4月9日推出旅美華人藝術家林延的個展，展出以宣紙為媒材的30多件作品。此次為林延首度於台灣舉辦的個展，作品年代從1996至今橫跨20多年，呈現藝術家將宣紙轉化為藝術媒介的實驗歷程。

旅美藝術家楊金池，長期往返故鄉台灣和紐約之間，本次個展【殺了我或改變】是楊金池於台北當代藝術館的首次個展。楊金池以回收物品，如:鋁罐、零食包裝袋、電線、電子零件等媒材，創作出一件件具有獨特質感與意涵的互動性裝置，此外，他也經常運用具有挑釁意味又不失趣味的行為表演方式，介入車水馬龍的都會空間中，以游擊式的行動對消費主義及其造成的破壞，提出抗議，因而受到國際藝壇的關注與肯定。

雕是加法，塑為減法。米開朗基羅曾說：「其實這形體本已存在於大理石中，我只是把不需要的部分去掉而已。」雕塑藝術家在創作過程中必然不斷地交替雕和塑；而在他們的思緒裡亦是在加減之間更迭，最後完成感動人心的藝術作品。

台北當代藝術館今春隆重上檔的【蜷川實花展】，是藝術家自出道以來最大規模的藝術個展。本展完整鋪陳了蜷川實花近二十年來的創作軌跡，精要呈現了藝術家多元的創意表現及其連結脈絡，從形式到內涵，帶領觀眾一層一層地進入蜷川實花獨特迷人的意象世界。
本次於台北當代藝術館的個展，蜷川實花除了展出近二十年來的靜態攝影代表作，包括《花系列(Flowers)》、《液態夢幻(Liquid Dreams)》、《櫻(SAKURA)》、《名人肖像(Portraits)》、《自拍像(Self-image)》、《種一棵樹(PLANT A TREE)》，以及《暗黑(noir)》等系列，藝術家也特別規劃了一個裝置空間〈TAKE OVER THE WORLD〉，集結其歷年涉獵影像創作、商品企劃、及時尚設計等領域的過程軌跡和多樣成果，從中可以見識蜷川實花過人的創作精力，感受其多面的藝術才華。

王國維《人間詞話》說到，詩詞與小說的書寫不同，寫小說是社會閱歷越深沈老練寫得越好，詩詞則閱歷、內心越單純寫得越好。靜物畫宛如詩詞，它遠不只是畫了一朵花、數個瓶，靜物畫只是拿此一單純做出發，表達的卻完全是一個宇宙觀，是藝術家對世界、對宇宙的一種理解 − 在東方有云「一花一世界」，在西方有莫蘭迪Morandi的存在：「即使是簡單的靜物，一個偉大的畫家可也以實現崇高的願景，讓觀者切身感受濃稠的情感。」

在2016即將邁入第八屆的台北國際當代藝術博覽會（Young Art Taipei）是亞洲第一個聚焦於45歲以下年輕藝術家的飯店型博覽會。Young Art Taipei今年秉持著連結東亞當代藝術並接軌國際的精神，精選62家來自台灣、東北亞、中港澳及東南亞的畫廊，完整呈現東亞當代藝術風貌。

呼應國際世界以人為本，崇尚自然與維護生態的潮流，「24道線索」呈現24位藝術家透過纖維材質的多元展現，線索象徵循線而入探索生命軌跡與故事，亦為人類的生命宇宙觀提供24種觀察的路徑，數字取借24個節氣亦為一日的時光，反映材質與天象大地脈動緊密關聯也凸顯作品的手作時光感。亙古以來，纖維與織品便伴隨著人的生活而存在，在簡單的經緯秩序中，交織出無限的可能。

「風景」一直都是眾多美術館相當重要的典藏主題，從傳統表現媒材如油畫、水彩或水墨，到近年來大宗出現的風景攝影、人文地景等，意謂了「風景」一直是各個時代藝術家所偏好的主題。然而「風景」，除了是人們記錄大自然的一扇窗外，也是用以觀察每個不同世紀與文化背景藝術家們，是否對自身所處社會、環境、生態等，具有敏感度且能以獨特觀點去詮釋他們眼前所見，或是僅能在創作上複製自己，量產前人？

「當文明依靠在看似堅固、安全、美麗、方便及迅速的虛幻科技之中，這將是人類靈性再次失去追求自由及幸福的最大牢籠。」 –吳熙吉
沐浴在埔里山林間，呼吸著創作的氧氣，吳熙吉將自己拋於自然之中，依傍大山，遠離城市，讓身心靈回到最初的寧靜，他以此為能量，開啟了「人形牢籠」的繪畫之旅。

2005年秋天是我從學院畢業離開，正式成為一個獨立創作者的起始。同年的冬天，我意外地隻身前往了埃及開羅，開啟了我對異地駐地創作的體驗。我在埃及見識到了一個何其瑰麗的文明如何在時代的洪流中敗退下來，我在那龐然的歷史遺跡中驚見人們之於未知的讚嘆，也在那個有機生動的環境中，長時間的獨處讓我深刻地體會如何從一個全然陌生、斷裂的文化中去認識、習慣自身的恐懼並將它成為我創作的養分。

小時候是否曾經用紙箱搭建了屬於自己的小房子？或在衣櫃床底，或在房中柔軟的角落。

間隙間透著微弱的光線，半夢半醒之際構築了自己的小山。

藝術家藉由特定符號與造型模擬的暗示引導觀者與展場空間主動發生隔離。進入且釐清因個人背景記憶而必然出現的場景。

雖有著截然不同的背景與陳述，卻又分享著相同的敏銳與感傷。

見證不同感官下的語言，超越生命中重複的規則，人與人之間更親密的探掘。

「Breathing Foundation還在呼吸」意圖將藝術行為帶入全新的境界。

目前於台中二中教授美術，並同時身為Bike機踏車樂團主唱的張育嘉，體操選手的日常系列作品延續自2012年於美國波士頓 Contemporary Arts International 駐村​，環繞於大自然的創作環境，使原本作品多為動力裝置的張育嘉，開始回歸傳統創作方式，以松木油彩與絹本膠彩作為主要媒材，利用絹本的透明性與膠彩的透光性，於平面且封閉的繪畫之中，創造出三度立體空間。

綢軟絹質之下，瞥近看，你看到甚麼呢？

ART COCKTAIL(日本大阪)為提供在關西地帶活動的新銳藝術家或創作人表現的地方，2005年開始正式營運。主要以油畫、水彩畫、壓克力彩畫、書畫、日本畫等繪畫或插畫的平面作品為主，定期舉辦個展、聯展等藝術活動。此外透過販賣文創商品或手創藝品，獲得了男女老少的歡迎。

要是哪天我發現，現在的這些其實都只是夢，好像我也不會覺得特別奇怪。

蒸汽龐克 (steampunk)起源於20世紀80年代所興起的科幻小說題材，創作的時空設定多以工業革命為歷史背景，運用簡單機械、金屬等低科技媒材為創作元素，重新想像未來的科技，創造與真實歷史截然不同發展的虛擬未來世界。隨著此類創作的興起，從而衍生的美學風格常見於生活中的音樂、時尚、電影、電玩，大眾所熟知的例子: 宮崎駿《霍爾的移動城堡》—由各式破銅金屬拼湊而成的屋體，以魔法驅動機械四肢移動奔馳，吞吐著蒸汽，超現實的復古機械體現了蒸汽龐克的機械美學。

生活的場景戲劇般接續著一幕幕上演。其中，有一群演員將劇本導向了偵探劇，他們在瑣碎的日常中發現細微的線索，提取那些被忽視的、被遺忘的、被隱藏的感覺與訊息，偵查這些情感與故事，留下了「案件紀錄」，當這些紀錄再現於我們眼前，偵探們成為藝術家，而觀眾成為偵探。

我記得小時候看爸爸媽媽的臉，那回憶好清晰，儘管經過歲月的沖刷與累積，腦海裡的印象仍舊揮之不去。從身高只到爸媽的腰間，然後肩膀，然後超越了他們成為大人，在學校拼學業，在外頭忙碌工作，離開了家鄉離開了家人，好久好久以後回過頭，那張溫暖而皺褶的臉，那臉孔如此熟稀卻又陌生，我們已經忽略了多少年，皺褶裡藏了什麼樣的心情，那就像是永遠說不出口的秘密，不會跟孩子說的秘密。那張溫暖而皺褶的臉，究竟藏了什麼樣的心情，而留下這些故事，在我的生命裡變成一種責任。所以我想幫阿公、阿嬤拍婚紗，幫他們圓夢，把留下那些淚光閃閃的記憶，讓他們的小孩了解：在那每一張滿是皺褶的臉上，究竟藏了什麼故事？讓我們把半個世紀的故事用攝影紀錄下來！

時間：2016/3/25~2016/4/22 地點：an一個空間展演場地  （民生東路三段113巷7弄9號1樓…

文化部自2010年起策辦臺灣國際文化創意產業博覽會(臺灣文博會)，四年期間規模逐步擴大，展覧建置臺灣文創品牌知名度。2014年起臺灣文博會在過去的基礎上轉型，以展會為主體，提供文創商品及服務交易平台，鏈結生產、行銷、通路等環節，並串聯周邊文創活動、場館設施、巷弄街區，讓臺灣文博會不只是商展，更是臺灣品牌及臺灣價值的展現。

展期：2016.3.12-4.16 地點：百藝畫廊 網站：http://www.gallery100.com….

此次展覽由張禮豪擔任策展人，並邀請台灣與日本當代藝術家──林賢俊、黃品玲、今西真也（Shinya IMANISHI）、平川恒太（Kota HIRAKAWA）共同參展。

《劫後風景》藉由深入探討東方文化中關於「劫」的多重概念，以及其從文學作品延伸至藝術創作的可能性，邀請觀眾一同窺視四位受到相似之生命哲學思想影響程度不一的台、日藝術家，如何透過他們的個人創作，表露對於時間流逝的獨特感知，呈現生滅之間、實則存在的緊密連結。

許維頴（Hsu，Wei-Ying，1980―）創作的「NestLady」系列作品具有東方繪畫的氣質，而其中比較特殊的是在內容與形式上都呈現了多元、複合的面貌。原本該是尋常的人物風景題材，卻產生一種讓人不習慣的視覺。畫中的人物頭頂著鳥巢、身上穿著來自人文世界的禮服，行走在不自然的大自然當中。圖像本身會形成一種承載訊息的符號。這些符號不只是在畫面上進行拼裝，在閱聽者的各自解讀中也再一次進行拼裝，使得作品成為多義的組裝體。

「青春設計節」是一個屬於青年學子的育成展與創意競賽舞台，自2005年發起以來，匯聚各種創意形式的能量，以策展角度規劃展區及相關活動，挹注許多官方與民間組織、企業資源， 已成為台灣具有指標性的青年創意設計聯展，包括各種文化創意主題與藝術創作形式，讓青年創作有機會透過公開活動展示自我行銷與夢想發聲， 並有機會透過獎項取得創作能力的證明，帶來各種可能的合作機會。

孤獨―人類精神原型的回歸

《百年孤寂》是哥倫比亞作家加布列•賈西亞•馬奎斯的作品，被視為「魔幻現實主義」(Magic Realism)的代表作。《百年孤寂》取名「孤寂 Solitude」，是指一種不能也不願被外部世界所瞭解的處境和情感。
「A Solitary Soul 抽象未來．未來抽象」展出三位重量級抽象大師－林壽宇、莊普、梁銓。三位藝術家之作品在當時跳脫出框架，用不同方式詮釋抽象藝術引領風騷，同時在東西方都認可推舉的，他們不僅是結合東西方文化所長，且深深影響華人藝術圈。
走在時代尖端的藝術創作者或許是孤寂的，但最終的藝術成果總是令人讚嘆不已! 而十方藝術空間在2016年3月6日舉辦「A Solitary Soul 抽象未來．未來抽象」即將展出林壽宇、莊普及梁銓三大抽象藝術巨擘的平面繪畫以及裝置作品，是個難能可貴的藝術饗宴。

在人人都想當白領階級的世界，沒有人想當工廠中的藍領勞工，所以政府引進了世界最耐操的勞工機器人，讓每個人都能實踐當白領階級的夢想。然而這些取代藍領階級的機器人，因為第三世界的油源壟斷，造成的機油糧食的匱乏，引起藍領機器人的躁動，導致勞動系統迴路全面當機，引發的動盪和機器革命造成白領世界極大的恐慌。
這場階級戰爭，窺探了地球上的人類早已滅亡的事實；此時此刻所見，只是另一星系的研究考古，探討人類為何會自取滅亡的一門現實的學問。

2016年初完成的「MONO+(plus) 隨心所欲-系列」，以灑脫豪邁的狂草書打底，即使經過油畫色彩的層層堆疊，書法字跡依然流暢的穿梭於其中，它結合對比色彩，賦予畫面空間的實質感與表現力量。

臺南藝術市場在1990年代初開始發展，許多當時設立的畫廊至今已有成熟發展，並帶領臺灣藝術邁向國際，此現象與臺南悠久的收藏歷史密切相關。畫廊協會為促進全臺藝術產業的蓬勃發展與各區交流，於2012年起在臺南都會開辦飯店博覽會，受到臺南市政府與中南部業界人士、藏家、和民眾的持續肯定與支持，每年的臺南藝術博覽會在參觀人次、媒體報導露出、成交額各方面都有穩定的成長與突破。

面對一座曾經牽動社會、經濟與文化面向，卻即將在生活裡消失的龐大建築，由藝術家陳伯義聯合一群在地藝術工作者，在過去的近兩月中頻繁對這片文明荒景進行踏查與考掘，更動員攝影志工進入其中並留下影像與在地記憶。

紀錄日子的方式有很多，有人透過文字、有人透過音樂，而在這則有一群喜愛藝術創作的年輕人們，選擇用創作來記錄下生活的記憶片段，不論是主觀情緒或客觀呈述，都能透過一件件作品，為曾經開心、悲傷或感動過的歲月留下痕跡，這就是少遊島繪社-孵畫日記構成的開始。
少遊島繪社由近31位青年藝術創作者組成，他們來自不同的地方，有著不同的生長環境與追求藝術的歷程，而對於藝術相同的熱情與期盼讓他們相聚，期望能透過彼此的想法一以藝術為生活留下些不同的體驗。

Nudity, my dress

以白皙纖細的身軀一人對峙於既成的美麗與權威，七菜乃將那對立在耳邊低聲細語的說著。

如果想著「那樣愚蠢的事」，曾幾何時我們被說出「裸體也是我的服裝之一」的她，將狹隘的常識拆除解體。對於「裸身裝」我們的價值觀已過時。而她正是「現今」性感的指標

村田兼一(寫真作家)

廖修平是一位已經以開創者的地位被寫進臺灣美術史的藝術大師。他的藝術創作最初從油畫入門，一生持續於琢磨油畫，結合不同媒材，產生亮麗高貴的視覺效果；而後延伸到版畫，從傳統媒材與技法延伸出創新的版畫視野，享有臺灣現代版畫之父的美譽

《斯金納箱》（Skinner box）之展題，借用研究動物制約行為所設計的「斯金納箱」，該理論出自心理學家斯金納 B. F. Skinner，他認為人的自由意志其實為幻象，人類的行為是一連串通過強化學習的制約結果，這種透過「賞罰機制」來對行為的操控，不啻為資本主義社會運作的縮影，也著實反映美術館既展示又收藏的回饋機制。

展覽命名為「內度-外度」(id-od)，藝術家認為事物存在著內與外的兩面性，一方面意義從核心、原點逐漸向外迴旋環繞出外在的圓，另一方面外在的圓則始終圍繞著核心的原點。觀者透過藝術家所建構的藝術形式，得以體驗藝術家可能已在心中構思完成的視覺俳句。透過自然物與人造物二者的結合，藝術家將物件化為象徵意涵的符號，營造出一個全新的意義宇宙。

湯瑪斯‧海澤維克1970年出生於倫敦，是英國新世代備受矚目的設計師。海澤維克工作室創作形式多元，同時涉獵產品設計、家具、公共藝術、雕塑、建築、公共工程、及總體都市規劃。「走進海澤維克工作室」由倫敦皇家藝術學院建築系主任凱特‧古德溫策展，精選工作室過去20年約35件具原創性的代表作，涵蓋家具設計、公共藝術、建築到城市再生規劃等作品。透過細說從頭（beginning）、構思（Thinking）、製作(Making)、敘事(Storytelling)四個單元，藉由實物大小模型、測試品、原型、材料、照片、手稿、影片等125個物件，引領觀眾進入海澤維克工作室，窺探團隊創意發想及具體實踐的過程。

「溫室效應」、「氣候暖化」、「海平面上升」等，這類的標語不停地出現在我們身旁，但是對於我們來說感受又能有多強烈？李小鏡將自身對於未來環境的想像完全投射於這場展覽之中，精細考究的人魚模型以及利用3D動畫所呈現的人魚生活樣態，到最終人魚終結之後，骸骨散落於黢黑海底的情景，將人魚從誕生到死亡的過程完整演繹一番，彷若這未來的景象將會成真。

我們總是漠視著周遭的一切，最終，也漸漸的失去自我………………………
來自韓國的駐村藝術家June Lee以新聞事件為觸發，藉由作品呈現社會大眾對「他者」的漠視。一個個以細線纏繞的小人偶代表著日常生活中的你我，色彩鮮豔但卻面無表情。鮮豔的色彩對比內心的冷漠；面無表情代表對他者的冷眼旁觀，值得反思我們是以何種態度來面對生活周遭的「他者」?

「維管束」是植物輸送養分的構造；「微管 束」，則意圖以大量而細小的吸管聚集雕塑出象徵人類慾望形象的展覽。自去年12月起在駁二駐村創作的韓國藝術家洪祥植(Hong)，使用120萬根吸管創作巨大豐唇、眼睛、高樓大廈、天體星球等主題，作為其雕塑人類各種慾望的媒材。

「皺紋曾經微笑過」來自於馬克吐溫曾說，「有皺紋的地方表示微笑曾在那兒呆過」。這些年來台灣社會一直在多元化下的環境下搖擺地發展，這構成了年輕藝術家的成長背景也直接影響了他們所處的藝術場域。索卡好樣青年藝術家徵件聯展今年已邁入第九屆，本介入選的藝術家林依文、胡采炘、涂智惟、許蒂文、陳俊墉、曾景斌、黃楷馨 (依姓氏筆劃排列)等，他們的作品，僅管其情感複雜，或多或少地，仍表現著現實與幻想之間的拮抗

多年前,藝術家耿晧剛在家中發現美援時代所留下印刷品中的甜心女郎(Pin-up Model) 圖像,自此開啟了個展「三月·小甜心」中將50年前風行一時的大眾流行文化圖像,進行再 創作的構想。耿晧剛運用當代藝術圖像挪用的概念,以單色水墨線條與不同材質與年份的紙 本作為載體,結合微噴技術以誇張比例放大重現甜心女郎。原印刷品上不規則的紙邊、褶痕、 咖啡漬和缺角,因變為巨大而從細節轉化成視覺表現的手段。藝術家將水墨作品與誇張放大 的甜心女郎並置,抽象的墨跡或為應和、或為中斷甜心女郎圖像的浮華氣息,創造了一種詼 諧而奔放的時代遙想。

本次展覽藝術家突破傳統畫廊展示空間，建造一座迷宮來訴說一段故事，藉由一對母子的關係為開端，透過故事性的壁畫、塗鴉，描寫關於意識形態的控制、被控制方的境遇、掙脫的過程以及進入想像中的自由，為了維持想像的自由，再次塑造出別的意識形態等這些過程，揭露人的無限循環的歷史宿命，以及藝術家想像中的出口。

「鉛筆」是初始學習的寫字工具同時也是普遍最基礎的繪畫用具，這樣單純的材料卻能夠透過藝術家不同的操作方式，創造或粗或細濃淡有致的各式墨跡，讓筆下的世界變化無窮。王姿婷本次個展回歸到她最為熟悉的材料，她的鉛筆不為書寫文字而是作為開啟一切想像的開端與過程的記錄，捕捉來自生活中種種細微的痕跡與情緒，構成畫布上各式帶有符號性的抽象線條與物件。

< 殼> X < 土地的縫隙>是簡佑任與張雅萍的雙個展計劃，在於關注作者對於自身的土地。世界是個窩巢，大地是肉身依循的存有，在展覽中簡佑任與張雅萍皆探討了現代化背後所形成的人與土地的疏離與異化。

天光一閃的靈思! 是信奉的神祗給你我的私密訊息留言!

日常中，吉光片羽的靈動，人人都有，有人用文字記錄、有人用圖像、有人用聲音記錄，稍一閃神，輕忽惰漫，它即棄你而離去。

此次展出的藝術家跨越數個世代，希冀透過不同世代的創作採樣，探討藝術家如何運用不同的媒材與其時代跟文化呼應。媒材不僅能表現不同的視覺效果，亦能反映著不同時代的社會變化、美學觀點。畫廊藉由不同世代藝術家對於媒材的運用，以「媒介」為引，探討當代藝術創作的深度與廣度。希冀透過多元的探討，梳理出未來華人美學的可能性。

美國是一個民族大熔爐，尤其西岸舊金山、洛杉磯為甚。聚集了來自世界各地的移民，其中不乏許多的藝術創作者。在民族文化的相互沖刺激下，產生了許多的藝術新樣貌。此次展覽為第一次的交流，美方先來台。今年八月份台方去美展覽交流。也是凡亞藝術空間國際的第一步。
此次展覽共來了八位藝術家(Boon Yen Cho、Lore Eckelberry、Kathy Sook Kim、Gary Kious、Echo Lew、Ann Phong)，多為目前居住於洛杉磯，另外兩位來自義大利(Nicola Felice Torcoli)及日本(Hitomi Murai)。

展期 │ 2016 / 2 / 20(sat.) – 2016 / 4 / 3(sun.) 開幕茶敘 │201…

【見證二二八】臺南區二二八受難者影像展 地點：吳園藝文中心 B1展覽室（台南市中西區民權路二段30號 B1） …